La Fondation Louis Vuitton présente l’exposition « David Hockney, 25, do remember they can’t cancel the spring ». Forte de 400 œuvres présentées dans onze espaces de la Fondation, l’exposition retrace soixante dix années du travail de l’artiste.

Dans une démarche constamment évolutive, Hockney n’a cessé au fil de ces années de renouveler ses sujets – portraits,  paysages, natures mortes, scènes de genre – tout autant que ses modes d’expression – huile, acrylique, aquarelle, création numérique sur i-pad, photographies, vidéos. L’artiste a tenu à superviser en personne cette exposition tant pour le choix des œuvres que pour celui de leur accrochage.

Et maintenant, à vous de juger images à l’appui. Visite guidée…

Salles du 1^er niveau de l’exposition

L’exposition commence sur les débuts de David Hockney à partir des années 50.

Pendant la même période, David Hockney intéresse aux doubles portraits dans lesquels il présente deux protagonistes dans une communication ambivalente qui n’est pas sans rappeler les personnages des tableaux d’Edward Hopper.  

A partir des années 80 il prend des centaines de photographies du Grand Canyon en vues décalées. Il en choisi 60, les reprend au fusain, au crayon et à la peinture, puis assemble 5 rangées de 12 tableaux en un immense panneau de 2 mètres de haut sur 7 mètres 50 de long. C’est le « A Bigger Grand Canyon » qu’il livre en 1998.

 A partir des années 80 il prend des centaines de photographies du Grand Canyon en vues décalées. Il en choisi 60, les reprend au fusain, au crayon et à la peinture, puis assemble 5 rangées de 12 tableaux en un immense panneau de 2 mètres de haut sur 7 mètres 50 de long. C’est le « A Bigger Grand Canyon » qu’il livre en 1998.

A bigger Gand Canyon, 1998; huile sur toile, National Gallery of Australia, Camberra

Dans les années 1990, David Hockney effectue un retour dans le Yorkshire. Fort de son travail sur les immenses panoramas américains, il adapte cette manière aux paysages du nord de l’Angleterre où les saisons jouent un rôle déterminant. Il n’exclut aucune technique graphique et utilise l’aquarelle, le fusain, la peinture mais également la photographie et les technologies numériques.

L’artiste va rendre compte graphiquement de sa vision du Yorkshire et notamment des Wolds ( Les landes). Il veut faire percevoir dans ses œuvres la façon dont il ressent la campagne environnante, les routes qu’il emprunte lors de ses trajets en voiture, les chemins à travers les champs, les arbres qui bordent les routes, les champs labourés, les cultures, les moissons…

Dans la continuité des grands panoramas californiens, Hockney crée Bigger Trees near Warter ou Peinture sur le motif pour le nouvel âge post-photographique, pour lequel il utilise la simulation par ordinateur. Ce gigantesque mural  est composé de 50 toiles et mesure 12 mètres de long et 4.6 mètres de haut. Le tableau est une fresque dans laquelle le visiteur s’immerge et se perd. Elle représente un paysage juste avant le printemps avec des arbres en cours de floraison. Au premier plan dominent de grands arbres et à leur pied, des jonquilles en bordure de route. On aperçoit en transparence à l’arrière-plan un autre groupe d’arbres. A gauche, la route contourne les arbres et à droite deux bâtisses apparaissent à l’arrière plan. Le regard fasciné du spectateur se promène dans l’enchevêtrement complexe des branches de la partie supérieure du tableau monumental qui le domine.

Bigger Trees nearer Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique, 2007, huile sur 50 toiles, Tate, Londres

Salles du 2^ème niveau de l’exposition

Même s’il s’est toujours refusé de portraiturer la famille royale, David Hockney ne cesse de faire des portraits des personnes de son entourage – parents, amis, collaborateurs, conseillers… ainsi que de nombreux autoportraits.

En entrant dans cette première salle, le visiteur pénètre ainsi dans l’intimité de l’artiste qui a couvert les murs de ses portraits réalisés en 1999 et 2025.

Hockney a toujours apprécié et expérimenté le potentiel des nouvelles technologies pour produire des œuvres d’art graphique : l’appareil photo Polaroid, le photocopieur et le fax, les logiciels graphiques sur ordinateur et, depuis 2008, l’iPhone et l’iPad.1.

Une bonne partie de ses dessins sur iPad sont des paysages, pour lesquels le dispositif propose une vaste gamme de couleurs, d’effets, de transparence et de luminosité. L’application permet également à Hockney de revoir le dessin, trait par trait. De nouveaux logiciels permettent d’agrandir et d’imprimer les images bien au-delà du format de l’écran, sans pixellisation.

Hockney réalise à l’iPad des « portraits de fleurs » présentés dans des cadres dorés. Ce faisant il place les fleurs au même rang que la représentation humaine instaurant sa propre hiérarchie des genres.

Dans 25th June 2022, Looking at the Flowers (Framed), il se représente à droite et à gauche du tableau, l’artiste et son double, de trois-quarts-dos installé dans un fauteuil, fumant et méditant devant ses tableaux de fleurs, une méditation sur la vie, peut être une vanité ? 

La série des 15 Autoportraits de 2012 est un bon exemple des réalisations de l’artiste sur Ipad. Dans le cas de ces autoportraits, la possibilité de dessiner avec des lignes plus ou moins diffuses a permis de capturer l’effet flou d’un visage vu de très près, grandeur nature, remplissant le champ pictural. Seules quelques lignes comme les cheveux ou le bord des lunettes sont dessinées avec netteté.

L’exposition présente une série de 6 portraits de gardiens de musée réalisés au crayon en 1999-2000 grâce au processus de la « camera lucida » ou « chambre claire ».

Pictures of an exhibition produit en 2018 est un des exemples de ce qu’Hockney a désigné comme « dessin photographique ». Dans ce type d’œuvre, l’artiste adopte une approche visant à représenter l’espace tridimensionnel sur une toile plane. Cette quête anime son exploration artistique depuis ses débuts. Dans les années 1980, Hockney a créé une série de vastes collages photographiques pour construire des scènes cohérentes à partir de nombreuses vues modifiées. Il combine des centaines d’images pour n’en produire qu’une seule. Les multiples points de fuite des images d’origine fusionnent pour créer une vision unique. Il entend dépasser la planéité de la photographie et libérer son travail des composantes de la représentation traditionnelle. Les « dessins photographiques » actuels revisitent ces concepts.

Pictures at an Exhibition, 2018, dessin photographique imprimé sur papier, collection de l’artiste

6.0

Au sortir de l’émerveillement de la venue du printemps de la salle 220 for 2020 , le visiteur est plongé dans la nuit de la Moon Room qui présente une vingtaine d’œuvres, pour la plupart réalisées sur Ipad, pour quelques unes des acryliques sur toiles. Tous ces tableaux ont pour thème la lune. Ils nous donnent à regarder des paysages nocturnes oniriques et parfois mystérieux avec pour constante les effets des claires de lune sur les arbres, la prairie, la rivière, le ciel…

Emergeant de l’obscurité de la Moon Room, le visiteur pénètre la douce luminosité Normande baignant le cadre de vie du peintre. Il évoque avec tendresse et amusement le village voisin, l’allée menant à sa maison, la vue depuis son atelier, ses lectures, la pluie sur la surface de l’étang…

Il fixe en image les arbres de la propriété,  à chacun son portrait, Pear tree (Poirier), Quince tree (Cognassier), Apple tree (Pommier), les arbres en fleur… A l’instar des portraits de fleurs, il renouvelle sa démarche en positionnant avec bienveillance les arbres qui l’environnent comme des compagnons et leur prête une identité, une personnalité, une présence amicale.

Début 2019 Hockney réalise 24 dessins en 21 jours dans sa propriété normande. C’est La Grande Cour, à la fois titre de l’œuvre mais également nom de la ferme-manoir de 1650 situé à Rumesnil qu’il a acquit et où il va passer 3 années. 

C’est en contemplant la Tapisserie de Bayeux à Caen en 2018 que l’artiste a décidé de s’installer dans la région. Les 70 mètres de la Tapisserie racontent sous forme de narration continue la conquête de l’Angleterre.  Dans La Grande Cour, Hockney reprend le procédé et décrit sous un mode contemplatif le panorama qui l’entoure.

Salles du 3ème niveau de l’exposition

Dans ce dernier étage, Hockney veux rendre hommage à ses prédécesseurs, tous les artistes dont les réalisations ont nourri son imagination, interpellé sa curiosité, formé son regard, tracé les voies à prendre ou à éviter… En 2000, il réalise The Great Wall, un collage de centaines de photocopies d’œuvres réalisées depuis le XIIIème siècle jusqu’à nos jours. Il livre son regard de peintre sur les artistes qui, depuis la pré-Renaissance, ont eu recours à différentes formes de perspective permettant d’exprimer l’espace tout autant que la temporalité en peinture.

L’observation attentive de toutes ces œuvres l’a convaincu qu’à partir de 1430, les artistes se sont aidés de procédés optiques pour définir la perspective dans leurs créations. Il estime ce procédé artificiel et qu’il ne correspond pas à la vision que l’humain perçoit à la contemplation d’un panorama ou d’une scène. Il va dès lors en prendre le contre-pied et composer ses tableaux avec  la perspective inversée.

Plusieurs toiles de différentes périodes, Henry et Raymond de 1979, The chair de 1985 ou The walk to the studio de 2018, mettent en évidence la position de Hockney vis à vis de la perspective inversée.

Un dernier autoportrait de 2025 clôture avec humour ce panorama de l’œuvre de David Hockney. Play within a play within a play and me with a cigarette nous donne à voir dans une mise en abime, l’artiste en costume de tweed ocre moucheté de rouge et brun, étroite cravate rouge, lunettes cerclées de jaune vif, assis dans son jardin londonien, au milieu des jonquilles printanières, en train de peindre, un crayon dans sa main gauche, une cigarette dans sa main droite. Sa peinture représente en miroir, l’exacte scène du tableau. Un pin au revers de sa veste « End bossiness soon » affirme avec espièglerie et une certaine ambiguïté qu’il n’en fera qu’à sa tête jusqu’au bout.

Petite anecdote croustillante. Un affichage d’une photo de David Hockney avec sa cigarette, analogue au tableau  Play within a play within a play and me with a cigarette devait être effectué dans le métro parisien. Invoquant la loi Evin, la RATP a refusé de procéder à cet affichage, réitérant le sort que la RATP avait réservé à Jacques Tati et à Coco Chanel .

Et pour clôturer l’exposition, une immense salle animée de vidéos accueille les visiteurs qui peuvent s’allonger sur des coussins au sol pour regarder sur les murs et au plafond les projections animées de décors d’opéras auxquels il a apporté sa contribution. Rappelons que David Hockney doué de synesthésie, il perçoit des couleurs lorsqu’il écoute de la musique. Il a peint les décors de nombreux opéras de Mozart, Stravinsky ou Wagner.

Conclusion

Proche d’une rétrospective, l’exposition David Hockney est riche et intéressante, si riche que l’on craint de passer à côté de pièces importantes par effet de saturation.

La partie consacrée aux  œuvres jusqu’aux années 1990 est plutôt synthétique avec des tableaux emblématiques des différentes phases d’évolution du peintre. En revanche, à partir de là, plus les années avancent, plus le nombre d’œuvres augmentent proportionnellement. L’artiste naturellement prolifique semble décupler sa capacité de production avec l’utilisation des technologies numériques. Si son merveilleux talent de dessinateur et sa maitrise des techniques traditionnelles ne sont nullement en cause, l’usage de l’iPad, dont il fut l’un des pionniers, a significativement augmenté sa production. David Hockney met en évidence la complexité des sujets les plus banals tout en véhiculant un humour décalé.

Dans sa dimension autobiographique, l’œuvre de David Hockney constitue une réflexion sur le temps. L’artiste fusionne la représentation du temps qui s’écoule et du temps-météo qui, avec le renouvellement des saisons,  annonce une éternelle renaissance, comme l’indique le titre de l’exposition « Do remember they can’t cancel the spring ».

L’exposition nous laisse une impression contradictoire de légèreté  et de profondeur, léger dans la forme et prégnant dans le fond.

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