Ainsi, le double portrait de format horizontal, Les mangeurs de pois, des années 1620,  présente un couple de vieux paysans mangeant avidement des pois dans des bols en terre. Ils sont peint à mi-corps dans une lumière crue sur un fond gris. Tout dans ce tableau exprime la faim, la pauvreté et le manque. Ce tableau témoigne du souci de rendre la réalité du quotidien, sa dureté pour le peuple, la misère des paysans, mal nourris, en haillons.
 

Dans la salle figurent deux peintures de vielleur aveugle, thème populaire à cette époque, Le vielleur au chien, représenté debout, en vêtements usés, et Le vielleur à la sacoche, assis en vêtements soignés. Ces tableaux sont une autre illustration de la condition sociale des déshérités pendant cette période de guerre.

Deux portraits de vieillards échappent néanmoins à cette vision sombre de la société de la première moitié du XVIIème s. En effet, les tableaux Vieil homme et Vieille femme, viennent en contrepoint. Ces deux personnages sont soignés, ils portent des vêtements neufs et propres, semblent participer à une mise en scène.

La très petite salle 3 présente deux toiles de grandes dimensions de la même période. On contemple deux Saint Jérôme décharnés, épuisés mais animés d’une forte volonté, Saint Gérôme pénitent, et Saint Gérôme pénitent dit Saint Gérôme à l’auréole.

On trouve ici  cinq de ces tableaux de saints dont trois datées de 1620 qui ont été identifiés comme appartenant à l’Apostolado d’Albi : Saint Jacques le Majeur reconnaissable aux coquilles accrochées sur ses vêtements, Saint Philippe tenant la croix de son martyre, et Saint Jacques le Mineur s’appuyant sur le bâton de son martyre. De La Tour peint des hommes humbles, des personnes simples auxquelles chacun peut s’identifier. Leur expression est intériorisée et déterminée dans leur vocation.

Le Saint Thomas à la pique date de 1636. Le personnage tient dans la main droite la lance de son supplice dont la lame miroite et dans la main gauche un livre saint dont la reliure usée indique qu’il fut maintes fois consulté. On contemple un homme simple, à la physionomie solide et déterminée à accepter son destin tragique. 

Saint Grégoire a été datée de 1630 avec un doute sur son attribution, peut-être un George De La Tour, peut être une merveilleuse copie d’époque. L’artiste représente le saint frontalement, à mi-corps, en somptueux habits pontificaux de Père de l’Eglise. Son attribut, une extraordinaire colombe de l’Esprit saint qui inspire ses écrits, est déployée au dessus de lui, tandis qu’il tient en main le remarquable livre ouvert, qu’en tant que docteur de l’Église, il tend aux fidèles.

Saint Pierre repentant dit Les larmes de saint Pierre, est daté de 1645. Le tableau représente le saint accablé de remord pour avoir feint d’ignorer le Christ au moment de sa Passion. De La Tour ne présente pas ici le fondateur de l’Eglise. C’est un homme faillible qui se tient assis en prière, les mains jointes, les yeux rougis par les larmes, il médite dans la lueur d’une lanterne à ses pieds. Il est presque recroquevillé dans l’espace exigu de la toile, coincé dans son sentiment de culpabilité. On contemple un homme fautif, humble, fragile et âgé. Un coq sur la table à son coté symbolise la prophétie du Christ ;  « Avant que le coq ne chante, tu m’auras renié trois fois. ». Tout dans cette toile concoure à susciter la pitié face à la contrition du saint et incite les fidèles au repentir.
 

L’un d’eux Saint Pierre repentant est attribué à Georges De La Tour.

Dans La Madeleine pénitente, la sainte est assise de profil dans l’obscurité, la main gauche doucement posée sur un crâne dont elle regarde le reflet dans un petit miroir. A la lueur d’une bougie placée derrière le crâne, elle médite et reçoit par l’intermédiaire de la flamme la grâce divine. La lumière pénètre le corps même de la sainte qui irradie. 

Le nouveau né, met en scène deux personnages féminins la nuit, veillant un très jeune bébé. C’est une nativité qui ne dit pas son nom avec la Vierge, sa mère Sainte Anne et l’Enfant Jésus.

La jeune mère assise de face, tient l’enfant sur ses genoux. Les yeux baissés, son attitude est recueillie, voire mélancolique à la pensée du destin funeste qui attend son enfant. A coté d’elle, une femme plus âgée tient une bougie dont elle protège la flamme d’un geste proche d’une bénédiction. La lumière de la bougie baigne l’enfant qui semble rayonner.

Le souffleur à la pipe  et La fillette au brasero ont souvent été considérés comme des pendants.

Les deux tableaux mettent en scène un tout jeune personnage de profil, dans l’obscurité, sans détail ni décor. Chacun d’eux tient une source de lumière – torche pour le garçon, tisons dans un brasero pour la fillette – et souffle pour en raviver la combustion. La flamme éclaire leur visage juvénile et gracieux et instaure un moment de poésie sereine.

Les joueurs de dés sont une scène de genre dans un clair-obscur. La flamme d’une bougie posée au milieu des personnages est cachée. La lumière se réfléchit sur les bras et les visages des protagonistes, sur le métal des armures et les tissus des vêtements. Ce jeu magistral d’ombres et lumière est typique de la manière de peindre de l’artiste dans ses dernières années.