Salle 1, violence d’aujourd’hui sur violence d’hier.

Un homme est au sol, un autre au-dessus lui de lui brandit un pistolet, un troisième dans l’arrière fond, les mains dans le poche, regarde la scène. Un témoin, un complice… Guillaume Bresson ne suggère rien, il nous offre sans pathos ni jugement, dans un remarquable style quasi hyperréaliste, un instantané d’une scène violente. Le tableau explose d’énergie, communique du stress et fait penser au tempo d’une chorégraphie de « battle » de hip-hop.

Œuvres de « jeunesse », les sept toiles « sans titre » exposées dans la première salle d’Afrique ont été réalisées entre 2007 et 2010. Ce sont, l’une après l’autre, des scènes de bagarres en grisaille, qui mettent en scène dans des parkings des personnages en vêtements sportswear, ils luttent dans des corps-à-corps, courent, s’affrontent, se confrontent, se menacent, comme dans une danse rituelle.

Les attitudes sont étonnamment  authentiques, semblables à des photos de reporter de guerre. Les dégradés de gris évoquent un reportage en immersion portant sur des zones de conflits ou sur les figures de danseurs de hip-hop.

Salle 2 : peintures de deux époques différentes.

Trois œuvres de jeunesse de 2006, 2007 et 2008, de très grands formats, poursuivent le thème récurrent de la confrontation physique mais à plus grande échelle. Loin des combats entre deux individus de la salle 1, ce sont ici de véritables rixes, voire des émeutes, se déroulant dans la rue et impliquant un grand nombre de protagonistes.

Les deux tableaux de 2006 et 2007, comme un reportage photo, semblent représenter le même évènement à des heures différentes. Dans la toile de 2006, une rixe intense entre bandes rivales se déroule dans la journée tandis que la confrontation se poursuit de nuit sur un mode moins éruptif dans le tableau de 2007.

La toile « Sans titre » de 2008, est peinte selon une palette de grisaille colorée annonçant l’arrivée de la couleur des œuvres ultérieures de Guillaume Bresson.  Il y peint à la perfection le clair obscur nocturne de rues faiblement éclairées.

Le tableau  comporte plus d’une trentaine de personnages permettant ainsi à ce jeune artiste d’exprimer toute sa dextérité dans le rendu des multiples attitudes du corps humain en mouvement et dans l’expression de puissantes émotions.  Il met en scène une véritable chorégraphie dont les danseurs évoluent sur une scène dont le décor à l’arrière plan est matérialisé par la représentation de grandes barres d’immeubles de banlieue.

Dans la salle, deux très longs formats en couleur font partie d’une série intitulée « Los Angeles ».

Ils témoignent du quotidien des migrants et de leur habitat de tentes sous le ciel d’azur de la ville mythique.

La salle 3 nous plonge dans l’obscurité, d’où émergent les scènes de cinq tableaux.

Un long panorama linéaire de 2019 rendu à la façon d’un travelling, met en scène une installation d’auto-tamponneuses en bord de mer. La mise en scène jouant sur le plein et le vide évoque l’atmosphère d’ennui des œuvres d’Edward Hopper.

Dans la continuité de ses autres œuvres, Guillaume Bresson met le regardeur du tableau en position de spectateur, de passant soudain confronté à une scène dont l’artiste ne lui fournit pas les raisons.

Suivent quatre autres scènes d’intérieur entre amis en pleine discussion. L’intimité des scènes est renforcée par la peinture en clair-obscur.

Les deux premières œuvres, une étude en petit format en noir et blanc et un grand format en couleur à l’huile, représentent exactement la même scène à des échelles et des techniques différentes. Trois hommes discutent avec animation dans un décor de sous-bois.

A nouveau, le peintre instaure un questionnement quant à cette réunion, le spectateur hésite : s’agit-il d’une rencontre amicale, d’un complot ?

Les deux autres tableaux de grand format  de 2012 et 2009 sont peints en clair-obscur et représentent des intérieurs avec des amis autour d’une table.

Deux sources de lumière à l’arrière plan éclairent le tableau, l’une au centre et l’autre à droite. Ce sont des ouvertures sur l’extérieur où se déroulent des scènes de rue, au centre une altercation entre plusieurs personnes, à droite, un homme au téléphone.

La quasi obscurité se prolonge dans la salle 4

Elle présente dix tableaux, une scène de foule en extérieur nocturne, une scène d’intimité en intérieur et huit travaux sur le corps humain en apesanteur.

Des œuvres récentes de ces trois dernières années représentent des corps flottant en apesanteur.

Une douceur nouvelle émane de ces tableaux à l’atmosphère onirique. La représentation de la musculature des corps ainsi que les décors de grotte et de paysage lointain embrumé, de même que les vols de colombes, évoque la peinture de la Renaissance. Si le thème change radicalement par rapport aux œuvres de jeunesse de Guillaume Bresson, ces toiles exercent à nouveau une fascination d’ordre esthétique tout en soulevant une interrogation devant la singularité de ces scènes.

Le spectateur retourne à la lumière dans la dernière salle 5.  

On y trouve un patchwork d’archives personnelles, dessins, photos, croquis, esquisses, qui renseigne sur la manière de travailler de Guillaume Bresson.

D’autres œuvres complètent ce panorama des diverses facettes du talent de l’artiste.

Une commande du club de football du Red Star en 2013, met en lumière l’habileté de l’artiste en termes de composition appuyée par les technologies du numérique. La pluralité des panneaux composant cette œuvre constituent une synthèse des multiples talents de l’artiste.

En conclusion