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Au sommet des marches, sur le côté gauche du vestibule, une sculpture monumentale en marbre de Carrare représentant un crâne ailé donne d’emblée le ton de « We are (still) here ». Intitulée sans équivoque Memento Viveri par son créateur, l’artiste D*Face, l’œuvre établit un dialogue entre la tradition classique et la création contemporaine. Elle affirme ainsi l’un des principes fondamentaux de l’exposition : la liberté accordée aux artistes de s’approprier les références du passé pour les réinterpréter au travers d’un langage contemporain.

La figure du crâne, son matériau — le marbre — ainsi que la dent en or incrustée dans la mâchoire renvoient directement à l’iconographie traditionnelle de la vanité. Ils évoquent la finitude de l’existence humaine, le caractère dérisoire de la cupidité et l’inéluctabilité de la mort.

Pénétrant dans la Galerie des Grands Formats, consacrée à la peinture et à la sculpture monumentale du XIXᵉ siècle, le visiteur se trouve confronté à deux toiles de grandes dimensions de l’artiste Maye.

Réalisées en 2017 et 2018, ces œuvres témoignent de son univers onirique et sont mises en regard de peintures du XIXᵉ siècle mettant en scène des sujets analogues, mais dans des langages artistiques radicalement différents.

La peinture académique de Léon Comerre et de Jacques-Émile Blanche dialogue ainsi avec l’univers urbain, surréaliste et poétique de Maye.

Dans Amour Caché, Maye représente un personnage féminin masqué, coiffé d’un chapeau ailé, sur un vélo, accompagné d’éléments comme un oiseau bleu tenant dans son bec une carte à jouer – la dame de cœur – et voletant autour d’elle. Le vélo, instrument du mouvement et du voyage, est un vecteur de liberté. L’amour évoqué dans le titre, prend la forme de la carte porté par l’oiseau bleu, et devient une revendication qui accompagne le personnage dans son parcours.

Plus d’un siècle auparavant, Léon Comerre aborde, dans Bicyclette au Vésinet, une idée comparable : celle de la liberté offerte par ce nouveau moyen de locomotion. Au début du XXᵉ siècle, la bicyclette joue en effet un rôle important dans l’émancipation des femmes, en leur permettant de gagner une plus grande indépendance tant dans leurs déplacements que dans leur épanouissement physique.

Dans Galop en Camargue Maye reprend le thème du mouvement et de la liberté. Il représente un cheval et sa cavalière évoluant dans un paysage imaginaire aux couleurs pastel. Le mouvement du cheval et ceux du vêtement aux plis mouvants de la jeune fille penchée en avant sur sa monture, évoquent, souplesse, liberté et évasion. Dans son style issu du street art et du surréalisme, Maye inscrit le cheval au galop dans une Camargue poétique et fantastique où le thème de liberté est associé aux chevaux sauvages dans un espace sans limite.

Un peu plus loin, dans la Galerie des Grands Formats, l’artiste Mark Jenkins a installé sa sculpture hyperréaliste Seated Mole. Recroquevillé sur une chaise, les mains enfoncées dans les poches d’un sweat-shirt gris zippé et la capuche rabattue sur la tête, un homme vêtu d’un pantalon beige et de baskets usées se fond presque dans la foule des visiteurs.

Certains ne remarquent même pas sa présence, tandis que d’autres le découvrent avec stupeur, croyant voir un « sans-abri » qui semble avoir besoin d’aide avant de comprendre qu’il s’agit d’une sculpture.

À travers Seated Mole, Mark Jenkins pousse le spectateur à s’interroger sur sa propre position face à l’œuvre d’art, mais aussi sur son degré d’implication et sur la distance qu’il entretient avec celle-ci.

Dans Refuge, le duo de plasticiens EvazéSir donne presque à voir une allégorie de la bonté sous les traits d’une jeune femme drapée dans un châle, dont les pans se prolongent au-delà du cadre du tableau.

Le regard tourné vers le côté, silencieuse et recueillie, elle semble incarner une forme d’écoute attentive et bienveillante.

Fidèles à leur pratique, EvazéSir travaillent à partir de matériaux de récupération, auxquels ils associent différentes techniques et modes graphiques : peinture à l’huile et à l’acrylique au pinceau, pochoirs, aérosol, collages d’affiches lacérées et motifs géométriques.

Cette diversité de procédés contribue à créer une œuvre à la fois sensible, contemporaine et profondément évocatrice.

Avec Madona dell’Umilità, Hopare reprend le thème de la Vierge d’Humilité, notamment associé à Fra Angelico, pour en proposer une réinterprétation résolument contemporaine.

Il représente une Madone actuelle, située à la frontière du sacré et du profane, entre l’héritage de la Renaissance et l’univers urbain contemporain.

Sa figure mariale fait dialoguer le spirituel et le quotidien, la proximité et la distance, tout en confrontant une iconographie ancienne à notre regard contemporain.

À travers son travail, Siau montre comment un objet banal — objet industriel, accessoire de mode, élément urbain ou objet de consommation — peut changer radicalement de statut lorsqu’il est reproduit en porcelaine.

Ce qui était à l’origine fonctionnel devient précieux, fragile et destiné à la contemplation. La porcelaine introduit un décalage entre l’objet représenté et la matière dans laquelle il est réalisé.

Noble, brillante et délicate, elle confère aux objets issus de la société de consommation choisis par Maxime Siau une valeur nouvelle : celle d’objets fragiles, singuliers et irremplaçables, qui prennent désormais le statut de pièces de collection.

Cette fragilité accentue le contraste entre la banalité des objets représentés — une chaussure, un ballon, par exemple — et leur nouvelle condition de sculptures précieuses et vulnérables.

Par ce procédé, les œuvres de Siau peuvent être rapprochées du genre de la vanité, qui rappelle la précarité et le caractère éphémère de toute chose. L’artiste ne se contente donc pas de représenter des objets du quotidien : il les transforme en témoins de leur époque, susceptibles d’être conservés et transmis aux générations futures.

Son travail soulève ainsi implicitement une question : quels objets laisserons-nous derrière nous ? Baskets, consoles de jeux, caméras, extincteurs et autres objets contemporains pourraient, aux yeux d’un archéologue du futur, constituer les traces matérielles de notre civilisation. En les reproduisant en porcelaine, Maxime Siau les transforme en véritables fossiles contemporains : des fragments de notre quotidien préservés, qui témoignent de notre époque et de nos modes de vie.

Cependant, Nilko transforme cette image en représentant une jeune femme noire vêtue d’une robe vivement colorée, à la coiffure de type rasta et aux bijoux ethniques. Ce choix donne au personnage une identité contemporaine et crée un contraste avec les représentations classiques de bergères du XVIIIème siècle, blanches, habillées de blanc et dénuées de bijoux.

Son portrait de la bergère est un pastiche du tableau de Greuze de 1759, Jeune bergère effeuillant une marguerite, dit La Simplicité qui fut conçu au XVIIIᵉ siècle comme le pendant du Jeune Berger, pour l’appartement de Madame de Pompadour.

Par l’introduction de la représentation d’un personnage féminin d’une autre culture dans un sujet traditionnel du XVIIIᵉ siècle, l’artiste induit une nouvelle dimension d’ordre social et politique.

Dans Rêverie, , Speedy Graphito propose une œuvre opposant le quotidien et le merveilleux. Un intérieur décoratif et bariolé où personnage et décor sont étroitement mêlés, occupe la partie inférieure du tableau.

Il devient le départ pour un voyage imaginaire évoqué dans la partie supérieure où un paysage de douces collines est décliné sous forme de dessin aux couleurs pastel.

L’artiste instaure un univers où la rupture entre réel et rêve disparait, uniquement relié par le visage du personnage figurant dans les deux parties. 

Avec Paradise, l’artiste Faile présente une scène de la vie quotidienne composé d’un vase de fleurs sur une table à coté de lunettes et d’une page écrite, sur un fond animé de coupures de presse et de publicités.

Cette coexistence de deux mondes différents fait le lien entre la tradition picturale ancienne de la nature morte et l’univers coloré des motifs graphiques des bandes dessinées, de la culture populaire et du street art.

Dans ses deux œuvres, son tableau La semeuse de trouble, et sa sculpture , La petite semeuse, Seth offre une réinterprétation contemporaine de la Semeuse républicaine.

En remplaçant la figure traditionnelle par une enfant, l’artiste introduit les thèmes qui traversent son travail : l’enfance, le rêve, l’imaginaire, l’incertitude face au monde.

Ensemble, ces deux œuvres constituent une métaphore de notre époque confrontée à un avenir incertain mais que l’on peut choisir d’ensemencer.

Shaka présente dans Lutteurs #1 une scène de deux personnages engagés dans une lutte au corps à corps.

L’œuvre reprend un sujet très ancien et profondément humain, représenté depuis l’antiquité. Deux adversaires s’affrontent physiquement selon un mode graphique résolument contemporain : on peut voir des robots en action ou un maelstrom de forces en opposition.

Cette œuvre prend un relief particulier à l’ère des machines, de la technologie, de l’intelligence artificielle, alors que la scène représentée repose sur la force physique, le contact et la confrontation. L’artiste crée ainsi un contraste entre la technologie et le corps, entre la modernité et la pratique traditionnelle de la lutte. La position des deux robots véhicule une impression de mouvement, de tension et de puissance.

L’œuvre nous invite à réfléchir aux rapports entre l’homme, la machine, la technologie et la compétition, tout en donnant une représentation spectaculaire, dynamique et esthétique du combat.

Logan Hicks présente une façade urbaine composée d’escaliers, de fenêtres, de rambardes et d’entrées d’immeubles. Cette architecture nait d’un contraste marqué entre le bleu sombre, qui domine la structure du bâtiment, et le jaune lumineux qui met en évidence les ouvertures, les lampes, les escaliers ainsi que certaines parties de la façade. Cette lumière artificielle semble découper l’architecture dans l’obscurité de la nuit. Elle attire ainsi notre regard vers les fenêtres et crée une atmosphère à la fois cinématographique, mystérieuse et mélancolique.

Une seule personne occupe la composition. Assis en haut des marches de l’escalier au centre de la scène, le personnage semble englouti dans l’architecture, comme absorbé par les escaliers et la façade. Cette différence d’échelle crée un contraste entre le caractère monumental du bâtiment et la fragilité ou la solitude de l’individu. Dépeint dans une attitude d’attente, la personne semble suspendue dans le temps. Hicks saisit un moment furtif de la vie quotidienne dans un espace public.

Les trois œuvres de Jana & JS constituent trois variations d’un même thème. Elles mettent en scène une même figure féminine recroquevillée, assise ou couchée dans un assemblage architecturé de planches de bois. L’attitude de ces personnages féminins, tête inclinée, genoux ramenés contre le corps, induit une impression de retrait intérieur, de fragilité, de solitude. Chaque femme semble faire partie intégrante de cet environnement qui, tout à la fois, la protège et l’enferme. Ce rapport entre personnages féminins et environnement urbains constituent un axe récurrent du travail de ces deux artistes. Deux des panneaux comportent une partie représentant le ciel qui évoque un extérieur, une échappée possible.

Le bois utilisé dans ces œuvres n’est pas un simple support. Par sa redondance il occupe une place importante et constitue le deuxième sujet de l’œuvre. Ses traces, ses assemblages, ses couleurs racontent une histoire, tandis que la figure réalisée au pochoir l’habite.

Dans ces deux tableaux, Nilko reprend le modèle féminin déjà exploré dans La Bergère (cf. plus haut). Il compose des scènes théâtrales dans lesquelles une très jeune femme noire, richement coiffée, vêtue selon les codes raffinés des siècles passés et parée de bijoux d’inspiration ethnique, est assise aux côtés de deux molosses. À l’arrière-plan, un mur couvert de graffitis et de signatures urbaines inscrit la scène dans un univers résolument contemporain.

Le télescopage entre les références à un passé empreint de raffinement et les signes d’une culture urbaine actuelle produit un contraste saisissant. Au premier plan, les deux chiens s’imposent par la puissance de leur présence. Loin d’apparaître comme de simples animaux de compagnie, ils semblent davantage tenir le rôle de compagnons, de gardiens, voire d’alter ego de la jeune femme. Ensemble, les trois figures — humaine et canines — composent un véritable portrait de groupe, où se nouent des rapports de présence, de protection et de complicité.

Dans le premier tableau, Human blue, le visage semble presque entièrement constitué de lumière. Les traits blancs et bleutés s’accumulent, se croisent et se superposent avant de se dissoudre dans le fond noir. L’absence de véritable ligne de contour renforce cette impression d’apparition : le visage n’est pas délimité, il émerge peu à peu de la matière. Cette fragilité donne au portrait une dimension presque éphémère : le visage est présent, mais il semble pouvoir disparaître à tout instant.

Dans Human, cette présence devient au contraire plus dense et plus incarnée. Contrairement au visage précédent, le sujet a les yeux ouverts et fixe le visiteur. Le noir, plus profond, donne l’impression que le visage est presque sculpté dans un réseau de traits qui s’entrecroisent. Les touches de bleu, auxquelles s’ajoutent le rouge, le jaune et le blanc, traversent la surface et donnent davantage de matière et de profondeur au portrait. Le visage paraît ainsi moins en train d’apparaître que de se construire sous nos yeux.

The Last Round on the House est une œuvre représentative de l’univers de D*Face, dont les œuvres s’appuient sur les codes de la BD, de la publicité, du Pop Art et de la culture punk pour produire des images séduisantes et souvent grinçantes.

D’une extrême densité visuelle, Grasp 2 est un collage éclaté dans lequel des visages, des mains, des fragments de corps, des vêtements, des motifs graphiques et des aplats de couleurs s’emboîtent sans jamais former une scène totalement lisible. Le regard est ainsi constamment sollicité et passe d’un élément à l’autre, sans parvenir à trouver un véritable point d’accroche.

Cette composition fragmentée s’inscrit dans un imaginaire nourri par la culture populaire, la bande dessinée, l’illustration, le graffiti et l’esthétique publicitaire.

L’artiste utilise notamment le principe du prélèvement et de la recomposition : des éléments familiers sont extraits de leur contexte, fragmentés, puis assemblés dans une nouvelle composition. Les visages sont ainsi partiellement coupés, tandis qu’une main apparaît isolément et prend une dimension presque monumentale. Cette main peut évoquer à la fois le contact, la saisie, le contrôle ou encore la volonté d’agir. Les yeux introduisent quant à eux une dimension plus psychologique : plusieurs regards semblent observer le spectateur depuis différents fragments de l’image, renforçant ainsi la sensation d’être constamment sollicité ou surveillé.

Dans Treading Water, Shepard Fairey représente une figure féminine immergée dont seul le haut du visage sort de l’eau. Son regard frontal et intense domine la composition. Cette position entre submersion et maintien à la surface donne son sens au titre, qui évoque à la fois la survie et la difficulté de garder pied dans un environnement instable.

L’image est constituée d’un assemblage de fragments, mêlant motifs floraux, éléments architecturaux et structures industrielles. La confrontation entre nature, ornement et industrie oppose beauté et fragilité à un environnement construit et potentiellement dégradé par l’activité humaine. Placé au centre de ces tensions, le visage féminin peut ainsi symboliser l’individu confronté aux bouleversements contemporains.

Le paradoxe de l’œuvre réside enfin dans le contraste entre vulnérabilité et puissance : bien que presque entièrement submergée, la figure paraît monumentale et souveraine. Fairey transforme ainsi la menace de l’engloutissement en une image de résistance et de persistance.

Les deux œuvres de Swoon, Alixa Naima et Dawn and Gemma, sont des doubles portraits qui mettent en scène des relations humaines épanouies et affectueuses.

Alixa Naima célèbre l’affection, la solidarité et les liens humains. La proximité des deux femmes et la délicatesse de leur geste expriment la confiance et la sécurité. Le dessin minutieux, les hachures, les couleurs contrastées et les motifs décoratifs donnent à l’œuvre une dimension à la fois intime, graphique et monumentale.

Dawn and Gemma représente une maternité tendre, où la mère et l’enfant semblent fusionner en une entité harmonieuse, évoquant la douceur, la protection et la transmission. La précision du dessin des corps contraste avec le décor géométrique aux couleurs vives. Les motifs végétaux, notamment les fleurs, renforcent la dimension symbolique de l’œuvre en évoquant la vie et la croissance. Le bébé, placé au centre, apparaît ainsi comme une vie nouvelle protégée par sa mère.

Dans ces deux œuvres, Swoon associe art urbain, gravure, dessin et collage. Les lignes fines et les hachures, qui rappellent l’esthétique de la gravure, donnent aux personnages une forte expressivité tout en créant un contraste entre une technique ancienne et des sujets profondément contemporains.

Dans Burnt Series #07, Vhils brûle et creuse la surface du bois afin de faire apparaître progressivement les traits du visage. Il ne construit donc pas l’image en ajoutant de la matière, au contraire, il détruit une partie du support pour créer l’image. Le contraste entre le noir profond du bois brûlé et les zones de bois plus claires permet de faire émerger le visage. Les différentes planches donnent également une impression de fragmentation : le portrait semble constitué de morceaux, comme s’il apparaissait progressivement à travers la matière. La texture est essentielle. Le bois brûlé présente une surface rugueuse, craquelée et irrégulière, qui donne au visage une apparence presque organique. Les traces de combustion deviennent ainsi une partie du dessin.

Dans Resonances Series #03, Vhils utilise également un support en bois qu’il a peint. L’artiste intervient ensuite en grattant, découpant et retirant la couche de peinture pour faire apparaître le bois clair situé en dessous. L’œuvre donne une impression de portrait ancien qui aurait été progressivement détériorée par le temps. Les morceaux de peinture arrachés et les irrégularités du bois produisent une texture très expressive. Les différentes planches visibles renforcent également l’idée d’une image fragmentée.

ChatgPythies met scène deux figures féminines énigmatiques et contemporaines qui se font face dans un espace aux tonalités bleu-vert. Le titre évoque les pythies, prêtresses et prophétesses de l’Antiquité grecque : cette référence est immédiatement perceptible dans l’atmosphère de mystère qui enveloppe les personnages du tableau.

Disposées à gauche et à droite, deux silhouettes semblables, aux longs cheveux sombres portant des masques, semblent engagées dans un échange silencieux. Entre elles, les mains prennent une importance particulière : l’une est levée, l’autre ouverte dans un geste qui pourrait évoquer la parole, la transmission ou la divination.

L’œuvre Petite mélodie, de Bom.K, représente un petit jouet musical mécanique, moulin à musique, dont le corps est décoré de nombreux crânes et de notes de musique voletantes. L’objet semble ancien, sombre et légèrement inquiétant.

Au premier regard, l’artiste crée un contraste entre le caractère joyeux et léger d’une boîte à musique et la présence répétée des crânes, qui évoquent la mort, la fragilité et la disparition. Le titre Petite mélodie renforce ce décalage : la musique paraît douce et innocente, tandis que l’image introduit une dimension macabre.

Le choix d’une palette presque entièrement noire, grise et blanche accentue cette atmosphère. Les crânes clairs ressortent sur le fond sombre et attirent immédiatement le regard. Leur répétition donne également l’impression d’un motif qui se répète comme la mélodie du jouet. Les notes de musique font directement le lien entre l’image et le titre.

Bom.K transforme ainsi un objet familier en une œuvre à la fois poétique, étrange et inquiétante.

Dans Odette, Maye représente une jeune femme vêtue d’une longue robe blanche, vue de dos et légèrement de profil. Elle semble flotter dans un espace bleu profond et mystérieux, tandis que sa robe occupe le centre de la composition. L’œuvre mêle ainsi portrait, imaginaire et symbolisme.

Le fond bleu crée une atmosphère onirique, évoquant un espace mental, aquatique ou cosmique. Le blanc de la robe attire immédiatement le regard. Plus qu’un simple vêtement, celle-ci se transforme en une architecture monumentale, dans laquelle apparaît une forme de Tour de Babel, très détaillée et proche de celle représentée par Pieter Bruegel. Arches, rosaces, passages, fenêtres, herses et escaliers composent un immense édifice à plusieurs niveaux. La robe devient ainsi un monde en miniature, comme si Odette portait en elle tout un univers.

Le corps de la jeune femme, allongé et déformé, accentue la dimension fantastique de la scène. Comme dans Au galop en Camargue (cf. plus haut), l’un de ses bras présente une articulation mécanique, tandis que l’autre semble tatoué par l’effleurement de longues nageoires bleues translucides de poissons japonais. Sa posture, tournée vers l’arrière, suggère à la fois le mouvement et la fuite.

Autour d’elle flottent différents objets, notamment des cartes de tarot. On reconnaît le Jugement, associé à l’accomplissement de soi, la Tempérance, qui évoque l’équilibre et l’harmonie, le Bateleur, symbole du commencement, du potentiel et de l’action, ainsi que le Chariot, associé à la victoire et au mouvement. Ces symboles introduisent une dimension à la fois ludique, énigmatique et narrative, comme si les règles du monde réel ne s’appliquaient plus.

Le titre Odette donne également au personnage une dimension narrative : le tableau semble raconter une histoire dont le spectateur ne possède pas toutes les clés. Il est ainsi invité à interpréter les symboles et à imaginer ce qui est arrivé à cette femme.

Odette apparaît finalement comme une œuvre poétique, étrange et mystérieuse, dans laquelle Maye transforme le corps et le vêtement en un paysage imaginaire. Par le contraste du bleu et du blanc, les proportions inhabituelles du personnage et surtout l’architecture intégrée à sa robe, l’artiste évoque le rêve, le voyage et l’évasion. Plus qu’un portrait, l’œuvre semble donner forme à un monde intérieur qui se matérialise à travers Odette.

In Corpus Fidei joue sur la rencontre entre iconographie chrétienne, culture populaire et représentation contemporaine du corps féminin. Fenx a donné à son œuvre une forme cruciforme.

Une femme y est représentée les bras écartés, dans une posture qui évoque directement le Christ en croix. Mais l’artiste opère un déplacement essentiel : le corps d’une femme noire, contemporaine, athlétique et combattante occupe la croix. Elle porte des gants de boxe, un short et des bandages associés à l’univers du combat. La croix cesse alors d’être seulement le signe du sacrifice religieux : elle devient également celui de la lutte, de l’endurance et de la résistance.

Le titre In Corpus Fidei renforce cette idée. Le mot corpus, « corps », donne une dimension très concrète à la notion de foi : la foi s’incarne dans un corps humain un corps de femme combattante.

Si la position de la femme dans l’œuvre rappelle celle du Christ en croix, cette figure féminine ne semble pas vaincue. Son visage est calme tandis que son corps manifeste une grande tension physique. Les poings gantés suggèrent qu’elle est capable de se défendre et de lutter.