De son vivant, Mary Cassatt a acquis une large renommée grâce à ses tableaux montrant une femme avec son enfant dans le cadre de la vie quotidienne. Ces œuvres ne sont pas des portraits de mères avec leur enfant mais des représentations de modèles que l’artiste a sélectionnés et fait poser selon ses propres directives. C’est précisément par ce thème que s’ouvre l’exposition, avec trois versions, un pastel et deux huiles, réalisées entre 1880 et 1890.

Au printemps 1873, elle séjourne aux Pays-Bas, notamment à Haarlem, où elle découvre avec passion l’œuvre de Frans Hals. Elle en réalise une copie d’Officiers et sergents de la garde civile de Saint Adrien. Copier les maîtres constitue alors un exercice d’apprentissage classique : il permet d’étudier la composition, la touche et le traitement de la lumière.

Hals est un modèle particulièrement fécond pour Cassatt : sa touche vive et apparente, l’animation des visages et l’absence de poses figées rejoignent son intérêt pour le réalisme psychologique, loin de toute idéalisation.

La même année, à Séville, Cassatt peint Offrant le panal au torero. Cette scène d’échange entre une femme et un torero, sujet alors apprécié au Salon, mise sur le pittoresque des costumes et le contraste des couleurs.

Présentée au Salon de 1873, l’œuvre se distingue par sa tonalité sombre et sa facture réaliste, qui témoignent de l’influence de Courbet, de Manet et de Velázquez, avant l’évolution de l’artiste vers l’impressionnisme.

En 1874, Cassatt réalise La Mère de Mlle Cassatt vêtue d’un châle en dentelle, premier portrait de sa mère dans cette période.

Ce panneau de format moyen donne à voir une scène intime. Le rendu de la dentelle offre à l’artiste l’occasion de déployer son habileté, notamment dans les jeux de transparence et les nuances de blanc autour du visage.

Sobre et sans flatterie, le portrait annonce une approche centrée sur la présence du modèle, tandis que le fond, très sombre et traité de façon presque sommaire, reste secondaire. Il inaugure également un thème durable dans l’œuvre de Cassatt : le portrait comme expression d’un lien affectif.

Réalisée en 1876, Mme Duffee sur un canapé rayé (La lectrice d’un roman) marque une étape charnière entre le réalisme sombre et la représentation de la vie moderne.

La scène d’une femme lisant dans un intérieur, le cadrage resserré et les rayures du canapé annoncent le dialogue avec Degas, que Cassatt rencontrera l’année suivante.

L’œuvre préfigure aussi son intérêt pour la « femme moderne », absorbée dans une activité intellectuelle ou personnelle, à l’écart du regard masculin.

Le Portrait de Robert Cassatt annonce les recherches futures de l’artiste sur l’enfance. Cassatt y privilégie la présence psychologique de l’enfant plutôt que l’expression du sentiment.

Le double portrait Portrait de M. Alexander J. Cassatt et de son fils Robert Kelso Cassatt explore plus particulièrement la filiation. La transmission s’y exprime par la proximité, les attitudes et les regards, ainsi que par la manière dont les deux corps se répondent, plutôt que par des attributs symboliques.

Dans Portrait de Mme S. Cassatt, peint en 1885, l’artiste propose une interprétation plus mûre du portrait de sa mère réalisé en 1874. La comparaison des deux œuvres fait apparaître dix années d’évolution : la touche est plus libre, la palette plus claire et la présence du modèle plus affirmée.

Réalisé vers 1888, Madame Alexandre Cassatt à sa tapisserie témoigne également de la maturité de l’artiste. Le pastel, technique chère à Degas, devient l’un des médiums dans lesquels Cassatt excelle.

Femme lisant de 1878 rappelle les débuts de Cassatt dans le cercle impressionniste : la lecture, thème du loisir intérieur, devient chez elle un moment de concentration, où la femme est sujet pensant et non ornement.

Dans Susan assise dans un jardin qu’elle livre en 1881-1883, le jardin, motif impressionniste par excellence, est ici traité à travers la figure d’une enfant. La touche est plus libre, les verts et les blancs dominent, et la composition place la figure dans un espace légèrement décentré, avec cette attention à l’enfance qui deviendra un fil rouge de l’œuvre. L’enfant n’est pas idéalisée : elle a une présence propre, une intensité psychologique.

Jeune fille à la fenêtre (1883-1884) joue du seuil entre intérieur et extérieur, métaphore discrète de la condition féminine bourgeoise de l’époque, tenue dans la sphère domestique et regardant le monde à distance. Cassatt le traite sans pathos, par un jeu de lumière et de cadrage qui doit beaucoup à la photographie et à l’estampe japonaise, deux références majeures pour elle.

Jeune femme au mouchoir (vers 1887) témoigne d’une attention croissante au geste minimal et à l’expression retenue. Portrait plus intime, on y perçoit la maîtrise croissante de Cassatt dans le rendu de l’expression discrète, loin de tout effet théâtral.

Dans Jeune femme portant un enfant nu (vers 1890), le pastel et le fusain permettent d’allier contour dessiné et modelé coloré. Le motif de la mère et de l’enfant, futur emblème de Cassatt, est ici traité sans sentimentalité ni allégorie : c’est une maternité physique, quotidienne.

Clarissa (1891-1892) et Hélène de Septeuil (vers 1890) exploitent la chaleur du papier beige laissé visible et rappellent que l’artiste réalise aussi des portraits pour des proches ou des commanditaires, ce qui donne tout son sens au mot « profession ».

Le thème de la loge est un classique de l’impressionnisme mais Cassatt en renverse la perspective.

Dans la loge (Au Français,  une étude) met le visiteur en prise directe avec une figure féminine équipée de jumelles qui, au premier plan observe la salle ou la scène depuis sa loge. A l’arrière plan, un spectateur masculin qui semble lui aussi muni de jumelles, l’observe à son tour. La femme est à la fois spectatrice et objet de regards.

Cassatt fait du tableau ainsi que du théâtre un objet de contemplation et de mise en scène sociale. Visiteurs de l’exposition, spectateurs se regardent tour à tour. Le sujet de la peinture devient le sujet regardant. Le cadrage serré, les tons sombres et les touches rapides disent la modernité de l’espace théâtral. C’est un renversement discret mais décisif de la tradition masculine du voyeurisme mondain.

La tasse de thé (Le Thé) met en scène Lydia, la sœur de l’artiste, dans un rituel familier de la sociabilité bourgeoise. Le geste de boire le thé paraît calme, presque anodin ; pourtant la pose et le regard donnent à Lydia une présence qui ne se réduit pas à une simple figure décorative. Cassatt transforme un moment domestique en portrait attentif d’une femme absorbée dans son activité.

Dans Le Thé les objets, les gestes et la disposition des figures organisent l’espace ; la scène semble familière, mais n’est pas pour autant improvisée. Cassatt observe les codes de la sociabilité féminine tout en donnant à ses personnages une existence et une attention propres.

Le tableau Jeune femme en noir (Portrait de Madame J.) propose un portrait de présence, où le maintien et le regard suggèrent une personnalité. Le vêtement sombre et la pose viennent à l’appui de cette présence et concentrent l’attention sur le visage et l’attitude du modèle. L’indépendance se lit dans l’assurance tranquille du modèle.

En voiture dépeint une femme conduisant un attelage tandis qu’une jeune fille l’accompagne. Le détail est remarquable : la femme n’est pas simplement passagère, elle tient les rênes et dirige la promenade. La composition, tournée vers le mouvement et le trajet, fait de cette scène mondaine une image d’action et d’autonomie. Elle incarne particulièrement bien le propos de la section.

Lydia assise au jardin, un chien sur les genoux et Lydia faisant du crochet au jardin, à Marly  présentent des occupations paisibles du quotidien des femmes bourgeoises.

La touche est vive, hachurée, parfois presque griffée dans les feuillages, et la lumière tamisée filtre à travers les arbres. La figure se fond dans l’environnement végétal, selon un principe cher à aux impressionnistes.

Jeune fille au jardin donne à voir une figure féminine, penchée sur son ouvrage, intégrée dans un espace de verdure et de lumière. La touche légère et les contrastes de lumière dessinent un moment suspendu. C’est une œuvre emblématique du dialogue entre figure et paysage que pratique alors Cassatt.

Dans Au parc Cassatt présente une nourrice et une enfant de profil, très proches du premier plan, dans un cadrage resserré et en diagonale, hérité de Degas et de l’estampe japonaise. La construction presque abstraite, avec ses aplats et ses lignes fortes, contraste avec la douceur du sujet. On y voit l’originalité de Cassatt : un impressionnisme où la modernité tient autant à la composition qu’à la touche.

Dans Automne, Mary Cassatt accorde la tenue de sa sœur Lydia aux couleurs de la saison. Le titre ouvre sur une lecture allégorique : la palette chaude et la touche libre disent à la fois l’élégance et la mélancolie. Seul le visage de Lydia, d’une pâleur qui trahit la maladie, émerge de cet ensemble de teintes dorées, en résonance avec le déclin de l’automne.

Une œuvre de Degas, Jeune femme nouant les rubans de son chapeau, matérialise le dialogue des deux artistes autour du thème de la toilette féminine, du geste quotidien, du cadrage de biais. Cassatt est proche de Degas, qui l’invite à exposer, et tous deux explorent le pastel et les attitudes non posées. La comparaison permet de percevoir ce qui les rapproche (le goût du geste saisi sur le vif) et ce qui les distingue (le regard de Cassatt, moins ironique, plus empathique).

Femme à sa toilette, Cassatt traite ici un thème cher à Degas avec une pudeur et une retenue qui lui sont propres. Le geste est saisi dans sa banalité, sans voyeurisme, ce qui marque une différence de sensibilité fondamentale.

Fillette dans un fauteuil bleu (Enfant dans le salon bleu) est considéré comme le chef-d’œuvre de cette période. L’enfant, affalée dans un fauteuil, a une posture désinvolte et nullement sage, loin des conventions du portrait d’enfant.

L’espace est cadré de façon audacieuse, avec des fauteuils débordant du cadre et un sol fuyant. Le bleu domine, avec des touches ajustées pour suggérer la profondeur.

Le chien endormi y a été vu comme un clin d’œil. Degas aurait retouché la toile, ce qui rappelle la relation féconde entre les deux artistes. L’œuvre affirme un parti pris : représenter l’enfance sans sentimentalité, avec son ennui et ses poses vraies.

Mary Cassatt n’a jamais douté de sa vocation d’artiste, mais elle sait aussi compter. Dotée d’un sens pratique remarquable, elle comprend très tôt les lois du marché et les questions d’argent, qu’elle n’envisage pas comme incompatibles avec la création. Dès les années 1880, sa réputation de portraitiste, et tout particulièrement ses célèbres « maternités », lui permet de s’assurer une véritable indépendance financière.

Les commandes affluent, souvent passées par des personnalités fortunées désireuses de faire portraiturer leurs enfants. Elle excelle dans cette spécialité et y trouve une clientèle fidèle, séduite par la tendresse et la justesse de son regard. Pour répondre à cette demande croissante, elle privilégie fréquemment le pastel, une technique bien plus rapide que la peinture à l’huile, qui lui permet de saisir avec spontanéité ses jeunes modèles tout en multipliant les œuvres.

Passionnée d’art depuis sa plus tendre jeunesse, Mary Cassatt se forge peu à peu une solide connaissance de l’art européen. Très tôt, elle fait l’acquisition du tableau de Manet Tige de pivoines et sécateur, qu’elle conservera durant de longues années. Collectionneuse avisée, elle porte une affection toute particulière aux œuvres de Manet et de Pissarro, dont elle possède plusieurs toiles.

Ses liens étroits avec les grandes familles fortunées d’Amérique, conjugués à sa familiarité avec le marché de l’art européen, la placent dans une position idéale : elle devient une véritable ambassadrice de l’avant-garde française auprès des grands collectionneurs américains. Elle noue par ailleurs une collaboration fructueuse avec le marchand d’art Paul Durand-Ruel, qui ouvrira une galerie à New York et contribuera ainsi à faire connaître l’impressionnisme outre-Atlantique.